La manera en la que comunicamos un producto o proyecto ha evolucionado enormente en el transcurso de las últimas dos décadas. De hecho, la creación de contenido y el marketing de contenido son términos relativamente nuevos. El «contenido auténtico» es aún más reciente, pero ¿en qué consiste aquello?

Primero se debe diferenciar el contenido auténtico de su contraparte, el contenido tradicional. Este último, de una manera sencila, puede ser considerado como el que está producido e investigado de manera amplia y muy profesional. No hay que confundirse, tiene ganado su lugar y funciona relativamente bien, el problema es que no logra conectarse con el público joven, es característico de los millennials y centennials la preferencia de elegir por ellos mismos, por lo que venderles un producto extremadamente producido y «acabado» resulta difícil pues lo consideran como algo demasiado falso. Por este motivo se observa una creciente desconfianza en las grandes marcas y el uso del marketing tradicional.

Ahora, el contenido personal trata de demostrar el lado real de la producción y las personas, con testimonios o historias en situaciones reconocibles en el consumidor promedio. Consiste en llegar directamente al cliente mediante una conexión humana.

Como ejemplo podemos nombrar a Jordan Peele. El actor y comediante gozaba de una moderada fama hasta antes del 2017, cuando dirigió una de las películas más aclamadas del año, Get Out, galardonada al Oscar de Mejor Guión Original, con la que cautivó a una audiencia fiel de fanáticos que esperaban ansiosos su próximo proyecto.

Gracias a su cualidad de comediante, Peele se demuestra como una persona transparente y genuina para la audiencia joven. Aprovechando esta cualidad, con su creciente perfil y el toque personal de las redes sociales, decidió anunciar su próximo proyecto de una manera muy orgánica y sin precedentes;  tuiteó el póster oficial de su nuevo proyecto, Us. El internet lo recibió con el mayor de los entusiasmos.

Here we go.#WatchYourself#UsMovie@UsMovie pic.twitter.com/rWev0UjgEv

— Jordan Peele (@JordanPeele) December 25, 2018

La publicación de Peele generó cientos de miles de impresiones e innumerables publicaciones en blogs, con fans y medios de comunicación que pronto empezaron a idear numerosas teorías sobre la película e intentaron obtener cualquier tipo de información adicional oculta dentro del póster. Este fue un pequeño momento digital y con gran impacto del propio creador. 

Con el contenido auténtico, adoptando estas mismas tácticas personales de bajo costo, podremos provocar intriga en la audiencia e impulsarla a hablar de nuestro producto, el marketing se hace solo.  Este estilo promocional permite a los fanáticos sentir que tienen una mayor participación, existe una conexión más profunda debido a la capacidad de interactuar con el creador real, ya sea con un retweet, un like o incluso un comentario. Esta interacción hace que los fanáticos se sientan vistos, escuchados y apreciados, y esas cálidas difusiones de validación hacen que la gente hable, difundiendo la palabra con un simple clic.

Fuente: Big Box Content.

La pandemia ocasionada por el virus COVID-19 ha impactado profundamente a todas las áreas de la industria del entretenimiento, en especial al sector del cine. Debido a la enorme importancia e influencia de los festivales de cine, los organizadores se vieron obligados a optar por plataformas virtuales para exhibir los filmes más destacados de este año.

Así es como Tribeca Enterprises y YouTube decidireron anunciar conjuntamente We Are One: A Global Film Festival, un festival de cine digital de 10 días sin precedentes exclusivo en YouTube, que reúne a una comunidad internacional de narradores para presentar la programación del festival de forma gratuita al público de todo el mundo. Funcionará de la siguiente manera:

• En un solo canal de YouTube , se transmitirá continuamente desde el viernes 29 de mayo hasta el domingo 7 de junio.
• El programa constará de más de 100 películas, incluidos 13 estrenos mundiales y 31 estrenos en línea.
• Todas las películas podrán verse de manera gratis.
• Solo habrá una oportunidad para ver ciertas películas, ya que no permanecerán en línea después de su proyección.
• Se indicará de dónde proviene cada película, y muchas presentarán presentaciones de los respectivos directores del festival.

El corazón de los festivales de cine es la creencia de que los artistas y creadores poseen el poder de unir a las personas y crear conexiones significativas con la audiencia, en especial durante un momento en que el mundo más lo necesita. A través de We Are One, el público no solo podrá echar un vistazo a las diferentes culturas a través de historias contadas por creadores nativos de las mismas, sino que también podrán apoyar a las comunidades locales mediante la donación directa a organizaciones que ayuden a los esfuerzos de ayuda para los afectados por COVID-19. El festival contará con beneficios a la Organización Mundial de la Salud (OMS), así como a los socios locales de ayuda en cada región.

Para más detalles acerca del festival y los involucrados, puedes consultar su sitio web aquí.

Fuente: BBC News

Debido a las normas de distanciamiento social, la industria del cine puede optar por una forma familiar y divertida de salir de la casa mientras el cliente se sienta seguro: los auto-cines o drive-ins.

Para todos los amantes de la nostalgia, estos establecimientos les resultarán familiares, popularizados en Estados Unidos en los años 1940-1960, consisten en una gran pantalla de cine al aire libre, una cabina de proyección, un puesto de comida y un área de estacionamiento grande para automóviles, donde los espectadores pueden disfrutar de una película desde la comodidad de sus vehículos.

A pesar de que dichas estructuras fueron disminuyendo desde los años 70’s debido a nuevas tecnologías como la televisión a color, hoy muchas cadenas de cine se ven obligadas a considerar todas las alternativas que permitan mantener el negocio a flote. Países como Estados Unidos y Colombia ya se encuentran con planes en marcha sobre estos proyectos. Esperemos que localmente se tome en cuenta la iniciativa para mantener vivo el espíritu cinéfilo boliviano.

Fuentes: Wiki, WWLP.

La adaptación a la pantalla grande de Stanley Kubrick basado en la novela clásica de Stephen King,  El Resplandor, es una de las películas de terror más memorables e icónicas que se hayan hecho. 

Aunque se desvió de la trama original se transformó en algo diferente, pero igualmente fantástico, extraído directamente de la genialidad de Kubrick. Su producción no se libra de hechos interesantes, entonces, aquí van algunas de las anécdotas más memorables de la cinta.

Daniel Lloyd no sabía que estaba haciendo una película de terror.

Como Danny Lloyd era solo un niño cuando filmaba El Resplandor y nunca había hecho una película antes, Stanley Kubrick lo protegió mucho. Hasta donde Lloyd sabía, solo por lo que Kubrick y el equipo le mostraron y le dijeron, la película que estaba haciendo era un drama.

Stephen King estuvo «decepcionado» con la adaptación de Kubrick

En 1983, King dijo en una entrevista a Playboy, “Admiré a Kubrick durante mucho tiempo y tenía grandes expectativas para el proyecto, pero me decepcionó mucho el resultado final. Partes de la película son escalofriantes, acusadas de un terror implacablemente claustrofóbico, pero otras cayeron en picada «.

Tampoco le gustó el reparto de Jack Nicholson, afirmando: “Jack Nicholson, aunque era un buen actor, estaba completamente equivocado para el papel. Su último gran papel había sido en One Flew Over the Cuckoo’s Nest , y entre eso y la sonrisa maníaca, la audiencia lo identificó automáticamente como un loco de la primera escena. Pero el libro trata sobre el descenso gradual de Jack Torrance a la locura a través de la influencia maligna de Overlook: si el tipo está loco para empezar, entonces toda la tragedia de su caída se desperdicia «

La «nieve» en el laberinto era en realidad 900 toneladas de sal y espuma de poliestireno triturada.

La persecución a través del laberinto nevado al final de El Resplandor es una de las piezas climáticas más memorables de la historia del cine de terror.  Realmente se siente frío ver esa escena, como si realmente estuvieras allí en la nieve helada. Pero resulta que la nieve no era realmente nieve en absoluto. El equipo de filmación acaba de llenar el laberinto con 900 toneladas de sal y espuma de poliestireno triturada.

El estrés de interpretar a Wendy Torrance hizo que el cabello de Shelley Duvall se cayera.

El excelente trabajo de Shelley Duvall al interpretar la creciente ansiedad de Wendy, su sensación de impotencia y desesperación durante el desarrollo de la cinta es admirable. Sin embargo, desafortunadamente, la actuación tuvo un efecto negativo en la salud de Duvall. El estrés de interpretar a este papel, estando bajo las constantes presiones de un perfeccionista excesivo como Kubrick, le provocó agotamiento nervioso, lo que ocasionó efectos adversos para la salud como sentirse físicamente enferma y perder parte de su cabello.

La escena del ascensor fue hecha en tres tomas, con previo año de planificación.

Todos recuerdan el disparo de El Resplandor en las puertas del ascensor abriéndose y la sangre saliendo de él. Aunque Stanley Kubrick era conocido por frustrar a sus actores y miembros de la tripulación con toma tras toma tras toma, esta escenase logró en solo tres. Sin embargo, esas tomas fueron el resultado de un proceso de deliberación que tomó un año. Se necesitaron nueve días para establecer un pasillo limpio con un elevador lleno de sangre listo para abrir. 

Jack Nicholson improvisó la famosa línea: «Here’s Johnny!»

Mientras filmaba la escena en la que Jack rompe la puerta del baño con un hacha, Nicholson gritó la famosa línea de Ed McMahon de The Tonight Show Starring Johnny Carson, un night show popular de la época. La frase clave funcionó y permaneció en la película. 

La animación es una de las formas de comunicación visual más populares hoy en día, vista en shows de televisión dedicados exclusivamente a los dibujos animados, hasta las secuencias de títulos de nuestras películas favoritas. Para no dar por sentado la verdadera magia que conlleva el desarrollo de una animación y la maravillosa historia que tiene por detrás, a continuación se encuentran los nombres más importantes en el desarrollo de filmes animados, junto con su obra más destacada.

1. ÉMILE COHL: FANTASMAGORIE (1908)

El dibujante y animador francés Émile Cohl es a menudo referido como «el padre del dibujo animado». Entre febrero y mayo de 1908, Cohl creó Fantasmagorie , considerada la primera película completamente animada jamás realizada. Para crear la animación, Cohl colocó cada dibujo en una placa de vidrio iluminada y trazó el siguiente dibujo, reflejando las variaciones necesarias para mostrar el movimiento, hasta que tuvo unos 700 dibujos.

2. GEORGES MÉLIÈS: EL HUEVO PROLIFICADOR (1903)

El cineasta francés Georges Méliès es conocido como el primer cinemágico por su uso temprano de los efectos especiales en el cine. Entre 1896 y 1914, dirigió unas 531 películas. En 1903, apareció en una de sus propias películas, l’oeuf du sorcier (El huevo prolífico) , una exploración innovadora de escala, multiplicación y transiciones que realmente selló su reputación como «cinemágico» y el padre de los efectos especiales en película.

3. J. STUART BLACKTON: EL DIBUJO ENCANTADO (1900)

Al cineasta británico J. Stuart Blackton se le atribuye la creación de la primera animación en Estados Unidos y fue uno de los primeros en el mundo en utilizar el stop-motion como técnica para contar historias.  En la película, Blackton dibuja una cara, cigarros y una botella de vino, luego «elimina» estos últimos dibujos como objetos reales para que la cara parezca reaccionar. 

Fuente: The Atlantic.

Aprovechando que desde recientemente se encuentran disponibles en Netflix, nombraremos algunas de las obras más destacadas del renombrado estudio de animación japonés.

5. Mi vecino Totoro (1988)

Personalmente, esta fue mi primera película de Studio Ghibli, es la que más peso emocional tiene para mí. Es una historia relativamente simple, dos niñas conocen a una extraña criatura al que llaman «el guardián del bosque» mientras lidian con el estrés de tener una madre enferma en el hospital. Encantadora, imaginativa y muy entretenida, es perfecta para todas las edades y una gran elección para la noche de cine en familia.

4. El Castillo Ambulante (2004)

Otra gran obra maestra de Miyazaki, este filme sigue a una niña que es maldecida por una bruja y pierde su juventud, encontrando empleo en el castillo mecánico itinerante de un vago mago sin corazón, impulsado por un adorable demonio de fuego. Es una fuente de inspiración como ninguna otra, no puedo contar las veces en que ver esta película me hizo considerar estudiar arte y animación. La historia es maravillosa, los personajes son únicos y, por si te interesa este aspecto, tiene una historia de amor encantadora.

3. La tumba de las luciérnagas (1988)

Este filme es referido como la película de Ghibli que a menudo nos dicen que no miremos, dado el tema difícil. 

Ambientada durante los últimos meses de la Segunda Guerra Mundial, es una historia devastadora de dolor, sufrimiento y supervivencia, ya que dos hermanos intentan no morir de hambre mientras su familia y su país se ven sacudidos por el conflicto global. Encontrarás dos de los personajes animados más inolvidables en esta historia, hace algo que los cineastas han hecho durante generaciones al detallar el costo humano de la guerra, pero lo hace de una manera que la película de acción real no puede. 

2. La princesa Mononoke (1997)

Una película con una trama bastante madura y un fuerte mensaje ecológico, sigue la historia de una guerra entre humanos hambrientos de recursos y los dioses de un bosque destruido por la codicia del hombre. Tal vez sea un poco difícil de ver para alguien que no esté familiarizado con las obras de Ghibli, pero no deja de lado que sea una de las mejores entregas del estudio.

1. El viaje de Chihiro (2001)

No habría de sorprenderse que esta película esté en el lugar número uno, galardonada con el Oscar a Mejor Película Animada en el año 2003, cuenta la historia de una niña de 10 años llamada Chihiro, que debe luchar por su libertad y por la de sus padres (que por cierto, se conviritieron en cerdos). Considerada un clásico moderno, la historia te atrapa desde un principio y no puedes evitar sentir el conflicto de la protagonista como tus propios problemas. Una simple descripción no le hace justicia, te recomiendo ver esta obra de arte con tus propios ojos.