Susan Sontag fue una reconocida escritora, cineasta, filósofa y maestra del siglo XX, cuyos trabajos son considerados lecturas esenciales para estudiantes y cineastas interesados en la teoría del cine, en específico destaca su obra Sobre la fotografía, publicada en 1973.
Sontag establece cuidadosamente distinciones entre fotografías fijas e imágenes en movimiento, favoreciendo a las fotografías individuales que se pueden sostener en la mano y estudiar detenidamente por su valor de archivo personal. Las fotografías en películas o en libros, dice, en su opinión, dejan de ser coleccionables, pues no reflejan un momento o expresión marcado en un instante en el tiempo. Aún así, revela puntos interesantes de narrativa en el cine por medio de la fotografía, como por ejemplo en el filme La ventana indiscreta (1954) de Alfred Hitcock.
Para concluir, añado mi cita preferida de su obra más popular:
«La fotografía, que tiene tantos usos narcisistas, también es un instrumento poderoso para despersonalizar nuestra relación con el mundo; y ambos usos son complementarios. Como unos binoculares cuyos extremos pueden confundirse, la cámara vuelve íntimas y cercanas las cosas exóticas, y pequeñas, abstractas, extrañas y lejanas las cosas familiares.
La adaptación a la pantalla grande de Stanley Kubrick basado en la novela clásica de Stephen King, El Resplandor, es una de las películas de terror más memorables e icónicas que se hayan hecho.
The Shining, dir. Stanley Kubrick, 1980.
Aunque se desvió de la trama original se transformó en algo diferente, pero igualmente fantástico, extraído directamente de la genialidad de Kubrick. Su producción no se libra de hechos interesantes, entonces, aquí van algunas de las anécdotas más memorables de la cinta.
Daniel Lloyd no sabía que estaba haciendo una película de terror.
The Shining, dir. Stanley Kubrick, 1980.
Como Danny Lloyd era solo un niño cuando filmaba El Resplandor y nunca había hecho una película antes, Stanley Kubrick lo protegió mucho. Hasta donde Lloyd sabía, solo por lo que Kubrick y el equipo le mostraron y le dijeron, la película que estaba haciendo era un drama.
Stephen King estuvo «decepcionado» con la adaptación de Kubrick
En 1983, King dijo en una entrevista a Playboy, “Admiré a Kubrick durante mucho tiempo y tenía grandes expectativas para el proyecto, pero me decepcionó mucho el resultado final. Partes de la película son escalofriantes, acusadas de un terror implacablemente claustrofóbico, pero otras cayeron en picada «.
Tampoco le gustó el reparto de Jack Nicholson, afirmando: “Jack Nicholson, aunque era un buen actor, estaba completamente equivocado para el papel. Su último gran papel había sido en One Flew Over the Cuckoo’s Nest , y entre eso y la sonrisa maníaca, la audiencia lo identificó automáticamente como un loco de la primera escena. Pero el libro trata sobre el descenso gradual de Jack Torrance a la locura a través de la influencia maligna de Overlook: si el tipo está loco para empezar, entonces toda la tragedia de su caída se desperdicia «
La «nieve» en el laberinto era en realidad 900 toneladas de sal y espuma de poliestireno triturada.
The Shining, dir. Stanley Kubrick, 1980.
La persecución a través del laberinto nevado al final de El Resplandor es una de las piezas climáticas más memorables de la historia del cine de terror. Realmente se siente frío ver esa escena, como si realmente estuvieras allí en la nieve helada. Pero resulta que la nieve no era realmente nieve en absoluto. El equipo de filmación acaba de llenar el laberinto con 900 toneladas de sal y espuma de poliestireno triturada.
El estrés de interpretar a Wendy Torrance hizo que el cabello de Shelley Duvall se cayera.
The Shining, dir. Stanley Kubrick, 1980.
El excelente trabajo de Shelley Duvall al interpretar la creciente ansiedad de Wendy, su sensación de impotencia y desesperación durante el desarrollo de la cinta es admirable. Sin embargo, desafortunadamente, la actuación tuvo un efecto negativo en la salud de Duvall. El estrés de interpretar a este papel, estando bajo las constantes presiones de un perfeccionista excesivo como Kubrick, le provocó agotamiento nervioso, lo que ocasionó efectos adversos para la salud como sentirse físicamente enferma y perder parte de su cabello.
La escena del ascensor fue hecha en tres tomas, con previo año de planificación.
The Shining, dir. Stanley Kubrick, 1980.
Todos recuerdan el disparo de El Resplandor en las puertas del ascensor abriéndose y la sangre saliendo de él. Aunque Stanley Kubrick era conocido por frustrar a sus actores y miembros de la tripulación con toma tras toma tras toma, esta escenase logró en solo tres. Sin embargo, esas tomas fueron el resultado de un proceso de deliberación que tomó un año. Se necesitaron nueve días para establecer un pasillo limpio con un elevador lleno de sangre listo para abrir.
Jack Nicholson improvisó la famosa línea: «Here’s Johnny!»
Mientras filmaba la escena en la que Jack rompe la puerta del baño con un hacha, Nicholson gritó la famosa línea de Ed McMahon de The Tonight Show Starring Johnny Carson, un night show popular de la época. La frase clave funcionó y permaneció en la película.
La animación es una de las formas de comunicación visual más populares hoy en día, vista en shows de televisión dedicados exclusivamente a los dibujos animados, hasta las secuencias de títulos de nuestras películas favoritas. Para no dar por sentado la verdadera magia que conlleva el desarrollo de una animación y la maravillosa historia que tiene por detrás, a continuación se encuentran los nombres más importantes en el desarrollo de filmes animados, junto con su obra más destacada.
1. ÉMILE COHL: FANTASMAGORIE (1908)
El dibujante y animador francés Émile Cohl es a menudo referido como «el padre del dibujo animado». Entre febrero y mayo de 1908, Cohl creó Fantasmagorie , considerada la primera película completamente animada jamás realizada. Para crear la animación, Cohl colocó cada dibujo en una placa de vidrio iluminada y trazó el siguiente dibujo, reflejando las variaciones necesarias para mostrar el movimiento, hasta que tuvo unos 700 dibujos.
2. GEORGES MÉLIÈS: EL HUEVO PROLIFICADOR (1903)
El cineasta francés Georges Méliès es conocido como el primer cinemágico por su uso temprano de los efectos especiales en el cine. Entre 1896 y 1914, dirigió unas 531 películas. En 1903, apareció en una de sus propias películas, l’oeuf du sorcier (El huevo prolífico) , una exploración innovadora de escala, multiplicación y transiciones que realmente selló su reputación como «cinemágico» y el padre de los efectos especiales en película.
3. J. STUART BLACKTON: EL DIBUJO ENCANTADO (1900)
Al cineasta británico J. Stuart Blackton se le atribuye la creación de la primera animación en Estados Unidos y fue uno de los primeros en el mundo en utilizar el stop-motion como técnica para contar historias. En la película, Blackton dibuja una cara, cigarros y una botella de vino, luego «elimina» estos últimos dibujos como objetos reales para que la cara parezca reaccionar.
Uno de los vicios del lenguaje más comunes es la elipsis, que consiste en la omisión de las palabras no indispensables de una oración. En lenguaje cinematográfico, una elipsis es un salto en el tiempo o en el espacio. Aunque se eliminan los pasos intermedios el espectador no pierde la continuidad de la secuencia, comúnmente evidenciados por puntos suspensivos al finalizar una oración.
Tradicionalmente, las elipses se usan en el diálogo para mostrar un pensamiento que continúa o para pausas. El diálogo puede ser de un personaje o entre varios personajes. A menudo se mezcla con un guión que se usa durante una interrupción en lugar de una pausa.
Alfred Hitchcock dijo: «¿Qué es el drama sino la vida con las partes aburridas cortadas?», pues básicamente, el cine es la representación de la vida real con las partes aburridas cortadas. El peso de ser un guionista es tener que eliminar cualquier elemento que pueda aburrir al espectador, y a la vez, no se debe tomar ningún detalle importante por sentado.
Phil Dyer, consultor en escritura de guiones, aconseja en su blog: «Si crees que es importante que un actor haga una pausa en un determinado lugar, asegúrate de que tu diálogo sea lo suficientemente bueno como para que sea obvio para cualquiera que lo lea.»
Realmente, un guionista puede salirse con la suya con mucho, pero el uso excesivo de las pausas crea impresiones diferentes según el lector. Lo mejor es que, como sea que se use este «vicio», sea consistente y moderado.
Uno de los principales desafíos del proceso de doblaje desde un idioma extranjero al castellano es encontrarse con los modismos; frases o agudezas propias del país proveniente, pues en muchos casos una traducción exacta no existe o la reinterpretación de la misma hace que pierda su valor artístico y/o humorístico. A continuación el video comenta una opinión interesante acerca de ello.
Para comunicar con pocas palabras, la sinécdoque es una de las figuras literarias más apropiadas, pues consiste en «tomar todo por las partes» o, citando nuevamente a Creative Commons: «suponer la sustitución de elementos con una contigidad espacial, temporal o nocional.»
La simplicidad en un póster de cine lleva el mensaje y el tema central de la película al grupo de audiencia potencial, utilizando el diseño y las palabras menos complejas para hacerlo. Como ejemplos citaremos dos películas y una serie muy popular.
El discurso del rey (2010)
The King’s Speech (El discurso del rey), dir. Tom Hooper, 2010.
La figura del rey junto al micrófono ilustra su misión en comunicar el discurso a la nación.
Logan (2017)
Logan, dir. James Mangold, 2017.
Con una simple toma de manos refleja el mensaje de la película y el vínculo entre Wolverine, el protagonista, con X-23, la niña mutante a su cuidado.
El icónico diseño de la puerta morada que contrasta perfectamente con el marco amarillo del apartamento de Mónica representan la manera más sencilla y efectiva para identificar a esta amada serie.
En lenguaje cinematográfico, según indica Creative Commons, la hipérbole es un recurso estilístico que consiste en una exageración que busca provocar un mayor impacto al espectador.
Suelen presentarse utilizando imágenes irreales, trucos y efectos especiales, aquí podemos citar cualquier película del género de ciencia ficción, como por ejemplo Alien (1979), con la icónica escena «revientapechos», que actualmente es considerada como una de las mejores en la historia del cine debido a sus impactantes efectos y el misterio alrededor del rodaje de la misma.
Pero ¿qué sucede cuando se lleva este recurso un poco más allá de lo debido? Resulta en una desaforada escena que cae en lo ridículo. Por este motivo, la infame película turca de 1973, Karate Girl (Karateci Kız) de Orhan Aksoy es conocida por muchos aficionados del cine al haberse vuelto viral en Youtube a mediados del 2012 por su cómica interpretación de un asesinato a sangre fría, entonces ¿es justo considerarla como «la peor escena de muerte en la historia del cine»?
Con gran actuación, increíbles efectos de sonido y un uso único del slow motion; debería ser considerada como la mejor peor escena de muerte en la historia del cine.
Las metáforas son unas de las figuras literarias más utilizadas por los autores, precisamente porque nos ayudan a expresar emociones, imágenes y expresiones combinándolas y comparándolas con diferentes objetos o situaciones.
Es bastante común que la película en sí misma sea una metáfora que deja al espectador comparar los diversos temas, personajes o escenas con un objeto, persona o situación más identificable, aunque las interpretaciones pueden variar dependiendo de la persona.
The Truman Show, Peter Weir,1998.
The Truman Show (La historia de una vida en Latinoamérica) transmite este mensaje al representar una serie de eventos desafortunados en la vida de Truman Burbank, (interpretado por Jim Carrey) que vive en una ciudad falsa llena de actores. Dicha ciudad está encerrada en una cúpula gigante con simulaciones de alta tecnología del sol, el cielo, y el clima. Todo es generado como efectos especiales.
La película consiste en una metáfora extendida en el título de la misma. Truman puede ser comparado con lo que signfica ser un ‘hombre verdadero’, una persona que ha estado viviendo una vida artificial elaborada. Las escaleras simbolizan la libertad y Christof, el creador del espectáculo representa un gobierno controlador.
El filme retrata una crítica a la cultura americana contemporánea inmersa en ilusiones donde aquellos en poder manipulan a las masas gracias a los medios de comunicación y tecnologías de acuerdo a sus intereses personales. A la vez, sirve como una manera de la humanidad para advertirse a sí misma acerca de los peligros de vivir una fantasía.
Colour In Storytelling, The Cinema Cartography en Youtube.
¿Cómo puede el color contar una historia? En una producción cinematográfica, el color es la herramienta que ayuda a establecer el sentimiento y tono de una escena. Gracias a la teoría del color se logra generar emociones y transmitir mensajes implícitos mediante el uso de diferentes matices en un filme.
Storytelling es el arte de contar una historia. La creación y aprovechamiento de una atmósfera mágica a través del relato, en el vídeo anexado el autor explica los diferentes significados del color, su origen y sus múltiples usos a través del tiempo en las películas.
Aprovechando que desde recientemente se encuentran disponibles en Netflix, nombraremos algunas de las obras más destacadas del renombrado estudio de animación japonés.
5. Mi vecino Totoro (1988)
Foto: Studio Ghibli
Personalmente, esta fue mi primera película de Studio Ghibli, es la que más peso emocional tiene para mí. Es una historia relativamente simple, dos niñas conocen a una extraña criatura al que llaman «el guardián del bosque» mientras lidian con el estrés de tener una madre enferma en el hospital. Encantadora, imaginativa y muy entretenida, es perfecta para todas las edades y una gran elección para la noche de cine en familia.
4. El Castillo Ambulante (2004)
Foto: Studio Ghibli
Otra gran obra maestra de Miyazaki, este filme sigue a una niña que es maldecida por una bruja y pierde su juventud, encontrando empleo en el castillo mecánico itinerante de un vago mago sin corazón, impulsado por un adorable demonio de fuego. Es una fuente de inspiración como ninguna otra, no puedo contar las veces en que ver esta película me hizo considerar estudiar arte y animación. La historia es maravillosa, los personajes son únicos y, por si te interesa este aspecto, tiene una historia de amor encantadora.
3. La tumba de las luciérnagas (1988)
Foto: Studio Ghibli
Este filme es referido como la película de Ghibli que a menudo nos dicen que no miremos, dado el tema difícil.
Ambientada durante los últimos meses de la Segunda Guerra Mundial, es una historia devastadora de dolor, sufrimiento y supervivencia, ya que dos hermanos intentan no morir de hambre mientras su familia y su país se ven sacudidos por el conflicto global. Encontrarás dos de los personajes animados más inolvidables en esta historia, hace algo que los cineastas han hecho durante generaciones al detallar el costo humano de la guerra, pero lo hace de una manera que la película de acción real no puede.
2. La princesa Mononoke (1997)
Foto: Studio Ghibli
Una película con una trama bastante madura y un fuerte mensaje ecológico, sigue la historia de una guerra entre humanos hambrientos de recursos y los dioses de un bosque destruido por la codicia del hombre. Tal vez sea un poco difícil de ver para alguien que no esté familiarizado con las obras de Ghibli, pero no deja de lado que sea una de las mejores entregas del estudio.
1. El viaje de Chihiro (2001)
Foto: Studio Ghibli
No habría de sorprenderse que esta película esté en el lugar número uno, galardonada con el Oscar a Mejor Película Animada en el año 2003, cuenta la historia de una niña de 10 años llamada Chihiro, que debe luchar por su libertad y por la de sus padres (que por cierto, se conviritieron en cerdos). Considerada un clásico moderno, la historia te atrapa desde un principio y no puedes evitar sentir el conflicto de la protagonista como tus propios problemas. Una simple descripción no le hace justicia, te recomiendo ver esta obra de arte con tus propios ojos.
Detrás del lente 