El futuro de la publicidad: El mercadeo de identidad.

En los últimos años se ha podido observar el cambio de enfoque de las marcas en publicidad haciendo hincapié en los intereses personales de cada consumidor en particular, mostrando anuncios específicos que cada usuario considere interesante mediante el uso de un servicio de streaming, por ejemplo. El siguiente video es una excelente explicación de cómo el product placement representa una importante área de publicidad en las producciones cinematográficas y cómo podemos esperar que influya su uso en un futuro.

Créditos:
EASYPROMOS TV Marketing y Redes Sociales en Youtube.

Apelar a la nostalgia en la publicidad.

Puede que sea una de las tendencias más utilizadas, pero bueno, es muy popular por una razón: funciona de maravilla.

Apelando a la emociones de algún recuerdo significativo para nuestra audiencia no sólo logramos cautivar a las audiencias más grandes, si no que no dejamos de lado al público juvenil, gracias a que recurre a recuerdos que todas las generaciones comparten.

Este año, Mountain Dew optó por recrear una famosa escena de la película «The Shining» para promocionar su nuevo producto durante los comerciales del Super Bowl.

Una campaña de marketing de película: Black Panther.

Foto: Chief Marketer.

Allá por el 2018, nadie esperaba que la película nueva de Marvel; Black Panther o Pantera Negra en español, sea un éxito rotundo. El hecho de que el filme estableciera nuevos estándares para la diversidad, con el talento afroamericano liderando delante y detrás de la cámara, confirmó la tendencia que esta presente desde los recientes años: La cultura vende.

Con Black Panther , Disney descifró un código ganador para el futuro del marketing cultural, aprovechando las necesidades insatisfechas de un mercado desatendido. 

Créditos: Marvel Studios’ Black Panther, 2018.

Black Panther relata la vida de T’Challa que regresa a casa como el rey de Wakanda, una utopía ficticia, solo para encontrar su soberanía desafiada por un poderoso adversario, en un conflicto con consecuencias globales. La película y su elenco afroamericano rompieron con los estereotipos, ya que su narrativa va más allá de la historia o la trama del cómic, si no se basa en la tradición africana, creando la historia de una nueva África futurista. La película recaudó más de $ 427 millones a nivel mundial en su semana de estreno. Actualmente es la número 12 en la lista de las más taquilleras. Un éxito rotundo.

Fuente: The Marketing Journal.

Marketing experiencial para el cine.

Fuente: Magenta.

La lucha por la atención del público tiene cada vez más competencia y los especialistas en marketing de cine y televisión de hoy se presentan con una serie de nuevos desafíos. Existen cientos de miles de horas de contenido (en plataformas de video, servicios de streaming y en cines) por lo que la audiencia se ve abrumada con tanta saturación. Es así que el marketing en la industria del entretenimiento se dirige constantemente hacia la innovación que supere los límites de las posibilidades mediante el uso del marketing inmerso en la experiencia.

La premisa es crear un vínculo más cercano entre el consumidor y la marca sumergiéndolos en una experiencia divertida y memorable. Si un evento de marca suscita emociones genuinas y positivas dentro de las personas, entonces es más probable que asocien esas emociones con esa marca, lo cual es más efectivo que solo mostrarles un anuncio de Facebook.

El marketing experiencial es considerada una tendencia creciente en la industria del cine, pero podemos rastrear su uso hasta 1999 para el filme The Blair Witch Proyect, que con su sitio web logró alcanzar un éxito rotundo atrayendo a una gran audiencia dando vida a la historia de sus personajes, publicando videos y anuncios que parecían reales con los que el espectador se sumergía en el terrorífico mundo de la película. Las tendencias que vemos hoy juegan con varios niveles de compromiso, desde pequeños a épicos, pero siempre fieles al espíritu del espectáculo o película.

Ahora más que ofrecer emociones momentáneas, el futuro del marketing experiencial está en presentar experiencias más significativas que dejen un impacto verdadero en el espectador. La serie de Hulu, The Handmaid’s Tale optó por construir siete instalaciones de arte, cada una con una capa roja y blanca en exhibición y encendida, con llamas imitadas por la luz. 

Foto: Adweek.

Los embajadores de la marca se pararon en cada instalación vistiendo chaquetas de mezclilla con «I RESIST» escrito en la parte posterior, seguido de un motivo de protesta. Estos embajadores alentaron a los transeúntes a participar con la exhibición entregando rollos para que los participantes escriban lo que quieren resistir y luego prendieron fuego a los rollos. Nació #ResistSister, un llamado a la acción que trasciende el contenido del programa, hablando a un movimiento de justicia social más amplio.

El marketing experiencial puede llegar a ser muy complejo, pero sólo recuerda: Encuentra tu público objetivo. Ten en cuenta lo que esperan de tu marca. Crea una experiencia alrededor de sus expectativas. Y, por supuesto, haz que se sientan identificados con tu enfoque.

Referencias: Mc2.

Servicios de streaming: ¿una nueva salida para los proyectos de bajo presupuesto?

Foto: AARP.

El dilema de cada joven cineasta con un sueño a realizarse es adquirir una suma importante de dinero para lograr producir un filme, pues conseguir el financiamiento adecuado por parte de un gran estudio es una oportunidad en un millón, en especial si apenas estás dando los primeros pasos en la industria del cine. Entonces, la nueva generación que desea darse a conocer pero no cuenta con los recursos necesarios para promocionar dicho filme pueden recurrir a una alternativa: los servicios de streaming u on-demand.

Si las películas alternativas o los cortos con menos presupuesto antes solamente podían verse en cines selectos o festivales, ahora este sector está cambiando. Si usas Netflix, Prime Video, YouTube o cualquier otra plataforma notarás que estos servicios están ofreciendo un aumento en las películas que se producen explícitamente – o inicialmente – en estas plataformas. Actualmente apuestan por productos interesantes que no son considerados tan comerciales. Este contenido cinematográfico de por sí no conseguiría un revenue de millones de dólares, pero que sin embargo si resultan interesantes para los usuarios. Como sugerencia, te recomiendo este artículo con interesantes opciones de películas low-budget disponibles en Netflix.

Fuente: Coobis.

La autenticidad y accesibilidad en la creación de contenido.

La manera en la que comunicamos un producto o proyecto ha evolucionado enormente en el transcurso de las últimas dos décadas. De hecho, la creación de contenido y el marketing de contenido son términos relativamente nuevos. El «contenido auténtico» es aún más reciente, pero ¿en qué consiste aquello?

Primero se debe diferenciar el contenido auténtico de su contraparte, el contenido tradicional. Este último, de una manera sencila, puede ser considerado como el que está producido e investigado de manera amplia y muy profesional. No hay que confundirse, tiene ganado su lugar y funciona relativamente bien, el problema es que no logra conectarse con el público joven, es característico de los millennials y centennials la preferencia de elegir por ellos mismos, por lo que venderles un producto extremadamente producido y «acabado» resulta difícil pues lo consideran como algo demasiado falso. Por este motivo se observa una creciente desconfianza en las grandes marcas y el uso del marketing tradicional.

Ahora, el contenido personal trata de demostrar el lado real de la producción y las personas, con testimonios o historias en situaciones reconocibles en el consumidor promedio. Consiste en llegar directamente al cliente mediante una conexión humana.

Como ejemplo podemos nombrar a Jordan Peele. El actor y comediante gozaba de una moderada fama hasta antes del 2017, cuando dirigió una de las películas más aclamadas del año, Get Out, galardonada al Oscar de Mejor Guión Original, con la que cautivó a una audiencia fiel de fanáticos que esperaban ansiosos su próximo proyecto.

Gracias a su cualidad de comediante, Peele se demuestra como una persona transparente y genuina para la audiencia joven. Aprovechando esta cualidad, con su creciente perfil y el toque personal de las redes sociales, decidió anunciar su próximo proyecto de una manera muy orgánica y sin precedentes;  tuiteó el póster oficial de su nuevo proyecto, Us. El internet lo recibió con el mayor de los entusiasmos.

La publicación de Peele generó cientos de miles de impresiones e innumerables publicaciones en blogs, con fans y medios de comunicación que pronto empezaron a idear numerosas teorías sobre la película e intentaron obtener cualquier tipo de información adicional oculta dentro del póster. Este fue un pequeño momento digital y con gran impacto del propio creador. 

Con el contenido auténtico, adoptando estas mismas tácticas personales de bajo costo, podremos provocar intriga en la audiencia e impulsarla a hablar de nuestro producto, el marketing se hace solo.  Este estilo promocional permite a los fanáticos sentir que tienen una mayor participación, existe una conexión más profunda debido a la capacidad de interactuar con el creador real, ya sea con un retweet, un like o incluso un comentario. Esta interacción hace que los fanáticos se sientan vistos, escuchados y apreciados, y esas cálidas difusiones de validación hacen que la gente hable, difundiendo la palabra con un simple clic.

Fuente: Big Box Content.

We Are One: un festival que une al mundo del cine.

Foto: Morelia Film Festival

La pandemia ocasionada por el virus COVID-19 ha impactado profundamente a todas las áreas de la industria del entretenimiento, en especial al sector del cine. Debido a la enorme importancia e influencia de los festivales de cine, los organizadores se vieron obligados a optar por plataformas virtuales para exhibir los filmes más destacados de este año.

Así es como Tribeca Enterprises y YouTube decidireron anunciar conjuntamente We Are One: A Global Film Festival, un festival de cine digital de 10 días sin precedentes exclusivo en YouTube, que reúne a una comunidad internacional de narradores para presentar la programación del festival de forma gratuita al público de todo el mundo. Funcionará de la siguiente manera:

  • En un solo canal de YouTube , se transmitirá continuamente desde el viernes 29 de mayo hasta el domingo 7 de junio.
  • El programa constará de más de 100 películas, incluidos 13 estrenos mundiales y 31 estrenos en línea.
  • Todas las películas podrán verse de manera gratis.
  • Solo habrá una oportunidad para ver ciertas películas, ya que no permanecerán en línea después de su proyección.
  • Se indicará de dónde proviene cada película, y muchas presentarán presentaciones de los respectivos directores del festival.

El corazón de los festivales de cine es la creencia de que los artistas y creadores poseen el poder de unir a las personas y crear conexiones significativas con la audiencia, en especial durante un momento en que el mundo más lo necesita. A través de We Are One, el público no solo podrá echar un vistazo a las diferentes culturas a través de historias contadas por creadores nativos de las mismas, sino que también podrán apoyar a las comunidades locales mediante la donación directa a organizaciones que ayuden a los esfuerzos de ayuda para los afectados por COVID-19. El festival contará con beneficios a la Organización Mundial de la Salud (OMS), así como a los socios locales de ayuda en cada región.

Para más detalles acerca del festival y los involucrados, puedes consultar su sitio web aquí.

Fuente: BBC News

El resurgimiento del auto-cine.

Foto: Revista Turbo

Debido a las normas de distanciamiento social, la industria del cine puede optar por una forma familiar y divertida de salir de la casa mientras el cliente se sienta seguro: los auto-cines o drive-ins.

Para todos los amantes de la nostalgia, estos establecimientos les resultarán familiares, popularizados en Estados Unidos en los años 1940-1960, consisten en una gran pantalla de cine al aire libre, una cabina de proyección, un puesto de comida y un área de estacionamiento grande para automóviles, donde los espectadores pueden disfrutar de una película desde la comodidad de sus vehículos.

A pesar de que dichas estructuras fueron disminuyendo desde los años 70’s debido a nuevas tecnologías como la televisión a color, hoy muchas cadenas de cine se ven obligadas a considerar todas las alternativas que permitan mantener el negocio a flote. Países como Estados Unidos y Colombia ya se encuentran con planes en marcha sobre estos proyectos. Esperemos que localmente se tome en cuenta la iniciativa para mantener vivo el espíritu cinéfilo boliviano.

Fuentes: Wiki, WWLP.

Roland Barthes y la cámara lúcida: Análisis de Schindler’s List (1993)

En el libro «La cámara lúcida» de Roland Barthes, el autor desarrolla diez conceptos útiles para realizar análisis de una fotografía y los elementos que la componen. En esta ocasión, explicaremos algunos conceptos con una fotografía proveniente de la aclamada película La lista de Schindler de Steven Spielberg para apreciar mejor su arte cinematográfico.

Schindler’s List, dir. Steven Spielberg, 1993.

El operator es el autor de la fotografía, quien decide qué desea capturar a través del lente de la cámara. En esta ocasión, el operator evidente es Schindler, pues vemos toda la escena desde su perspectiva, la manera en que retrata a la niña con un color rojo sangre que simboliza el sufrimiento del pueblo judío.

La dulce imagen de la niña es el spectrum, el blanco de la imagen, lo que el fotógrafo decide fijar a través del ocular y atrapa en la fotografía.

Un spectator es quien observa y analiza las fotografías, convirtiéndonos a nosotros en los claros spectators de la imagen al analizar sus componentes.

La excelente dualidad que presenta la imagen es lograda no solamente por el inteligente uso de blanco y negro que contrasta con el color rojo del abrigo de la niña, sino también se demuestra con los tres planos existentes en la imagen: el fondo que comunica una situación de tragedia, violencia y caos, en el segundo se observa un grupo reducido de personas que aparentan dejar el grupo atrás y seguir a la niña, que ocupando el primer plano destaca entre toda la imagen pero a la vez parece pasar desapercibida.

El Studium funciona como la parte de la fotografía que el autor ha planificado o buscado, siendo esta el evidente contraste usando el color sólamente en el personaje de la niña durante todo el filme, también desarrolla el Punctum como la cualidad que, incluso fuera del control consciente del autor, nos atrapa, el sentimiento que transmite la fotografía. La niña pone un rostro humano distinguible en medio de la locura del régimen nazi a los judíos. Específicamente, su experiencia es lo que se extiende y agarra a Schindler por el cuello, revelando un momento de tristeza y desesperación, donde la dolorosa verdad lo hace transformar su visión del mundo.

Es indudablemente la escena más distinguida de la cinta, y por merecidas razones. Spielberg es un experto en comunicar información acerca de las personajes haciendo uso de la menor cantidad de planos, pues confía en la capacidad del espectador de interpretar el mensaje implícito que conlleva. Si deseas analizarla por tí mismo puedes ver la escena a continuación, pero te recomiendo mucho más que veas el filme completo.

Schindler’s List, dir. Steven Spielberg, 1993.

Las memorias como películas, según los usos de la fotografía de John Berger.

Un fragmento que me parece brillante por parte del autor John Berger en su ensayo en respuesta a Sontag, es la comparación entre memoria y películas, porque yo también me he preguntado ¿pueden interpretarse nuestras memorias como mini filmes en nuestros cerebros?

En su momento para una persona como yo, en la satisfacción de mi ignorancia, me parecía que una explicación lógica del complejo sistema de almacenamiento en mi cabeza podría resumirse en una estantería llena de películas en donde se permite dar play a la que deseemos hasta haber rayado demasiado el «dvd» que la contiene.

Considero que un ejemplo bastante textual de la memoria interpretada de esta manera se puede encontrar en la serie original de Netflix, Black Mirror, en el tercer episodio de la primera temporada, titulado «The Entire History of You», en el que se observa un futuro donde la humanidad tiene acceso a implantes de memoria que permite que graben todo lo que experimentan en su día a día.

The Entire History of You, Black Mirror, 2011.

La comparación película/memoria nada nos enseña sobre la segunda. Lo que aprendemos es cuán extraño ha sido el proceso de obtención de cada fotografía. No obstante, a diferencia de la memoria, las fotografías no conservan en sí mismas significado alguno. Ofrecen unas apariencias —con toda la credibilidad y gravedad que normalmente les prestamos— privadas de su significado.

John Berger, Usos de la fotografía, 1978.

Berger acierta al suponer que la memoria es un acto de redención. Lo que se recuerda ha sido «salvado de la nada», en contrario lo que se olvida ha quedado abandonado.